Алина Халитова (Alina Khalitova): ''выходец из Паразита''

Екатерина Васильева (куратор, преподователь, редактор Wall) — Выход из коллектива ''Паразит'' в самостоятельное плавание — это бунт или естественное течение событий?

Как на тебя как на художницу повлияло участие в художественном коллективе Паразит?    

Алина Халитова (Alina Khalitova) — Когда я писала про то, что я «выходец из Паразита», я имела в виду, что моя выставочная деятельность началась с ними. Я до сих пор член Паразита, и стараюсь максимально раздвигать границы его географические. В этом году книгу «PARAZIT: между ПУХТО и Эрмитажем» получилось разместить на книжной полке главного оплота русской культуры в Лондоне  — в Пушкин Хаузе, а также эта книга была представлена на самой крупной книжном ярмарке по современному Offprint London 2023, которая проходила в знаменитом Тейт Модерн. Я до сих пор очень активно участвую в выставках Паразита. У меня нет возможности участвовать во всех, но в крупных проектах — да. Хотя мне как автору всегда казалось, что самая классная работа происходит тогда внутри коллектива, когда проходят частные маленькие, «корридорные», выставки. Я бы их назвала лабораторными, потому что там случается настоящая алхимия. Градус пафоса снижен из-за масштаба мероприятия, и это просто такая профессиональная встреча с коллегами, на которой обсуждаются работы. Я думаю, в этих встречах и их регулярности заложен успех Паразита. 

Участие в коллективе — это бесценный опыт. Я становилась как автор рядом с такими художниками как Вера Светлова, Семен Мотолянец, Шишкин-Хокусай, Козин и Керим Рагимов. Я старалась ловить каждое их слово и рассуждение об искусстве. Следила внимательно как за тем как проходил процесс от кураторской задумки выставки к реализации работ и воплощению задуманного в выставочном пространстве. Это словно закончить магистратуру по современному искусству, получив знания от самых первоклассных людей в индустрии. Только вместо теории, у меня была практика нон-стоп. Ещё это меня научило работать в команде и мыслить понятием «мы». 

 ЕВ —  Расскажи пожалуйста про твою персональную выставку «1×1=1, которая проходила с 2.09 по 26.09.2019 в КунстВитрине организованную Тимуром Мусаевым-Каган     

АХ — Мне пространство Тимура нравилось больше всех в городе, потому что оно находилось на грани выставочного пространства и публичного. Это очень меня привлекло, потому что мои работы очень часто сайт-специфичны. Когда Тимур предложил там сделать выставку, я была в полном восторге от такой возможности. Мое воображение одна идея перебивала другую. Пока не случилась заветная «эврика» и я поняла, что нашла идеальную формулу для работы. КунстВитрина — это очень большое витринное пространство библиотеки, в котором проводятся выставки современного искусства. Зрителями этих выставок являются все прохожие, что скорее роднит его с публичным искусством. Я несколько раз приезжала посмотреть на него и на то, как это работает со зрителем. Я очень люблю и в работах элемент неожиданности, но не китчевой, а очень деликатной. Как хороший анекдот, который не сразу понятен, но когда доходит суть — ты в восхищении от остроумия. Вот этот маленький интимный момент прозрения, которое переживает зритель — самое ценное для меня. Ради этого переживания я создала фотоинсталляцию размером в 80 кв м.
 

ЕВ — Нужны ли Лондону русские художники? Сложилось ли у тебя ощущения присутствия в этой среде?

АХ — Мне сложно сказать нужны ли Лондону русские художники. Я бы не стала так обобщать. Думаю, что если художник хороший, он будет востребован. Художник это ведь не всегда только про талант. Это и про умение работать с галеристами, и вообще всеми институтами современного искусства, маркетинг, PR, и просто везение. Среди частных покупок у меня только русские коллекционеры пока, но за это время здесь мои работы также приобретали в свои коллекции компании Jerboa (ЮК) и Bezant (Кипр). В целом город предоставляет много возможностей и это прям головокружительное ощущение, когда начинаешь осознавать насколько их много. С толикой трудолюбия и хорошими манерами многие двери здесь открываются.

ЕВ — Твоя тема интереса — это стык концептуального искусства и NFT. Поясни пожалуйста почему и сделала ли ты здесь какие-то личные открытия.

АХ — Я не сразу пришла к NFT. Когда был хайп NFT в том году, он активно присутствовал в моем информационном поле, и я решила исследовать его, так родились две мои исследовательские статьи, на тему о влиянии NFT и блокчейна на индустрию искусства, и вторая — об эволюция концептуального искусства от традиционных художественных форм к NFT. Сейчас, после рождения этих новых технологий, ажиотаж вокруг них поутих и можно спокойно оценить, что именно эта технология может дать искусству, и как ее возможно использовать. 

Я не ожидаю в будущем таких молниеносных миллионеров за ночь, как это случилось с некоторыми художниками в момент хайпа. Там скорее сработали маркетологи новых NFT маркетплейсов. На разработку и поддержание среднего по масштабу такого  проекта уходит сотни тысяч долларов, и вложения исчисляются миллионами, если это крупный маркетплейс. 

Мне всегда было интересно немного эфемерное воплощение искусства, поэтому я начала для себя прощупывать мостики между природой концептуального искусства и NFT. На данный момент очень многие успешные NFT авторы сконцентрированы на финансовых трюках, которые позволяют совершить технологии блокчейна, но я уверена, что все больше и больше художников будет открывать для себя возможности NFT и реализовывать их в своем творчестве.  Концептуальное искусство, которое сосредотачивается на идее или концепции, стоящей за работой, а не на её эстетической или материальной форме, может находить уникальное выражение в мире NFT.

NFT позволяют художникам токенизировать свои концепции или идеи. Это означает, что покупается и продается не физический объект, а идея, стоящая за произведением искусства. Это особенно подходит для концептуального искусства, где основное внимание уделяется концепции. Также, NFT часто связаны с смарт контрактами на блокчейне. Эти контракты могут включать конкретные детали о произведении искусства, такие как права художника, роялти от будущих продаж и подлинность идеи. Это критически важно для концептуального искусства, где первостепенное значение имеет оригинальность концепции. Некоторые концептуальные арт-объекты NFT включают интерактивные элементы или требуют участия аудитории. 

Это может быть облегчено с помощью технологии блокчейн, где действия, предпринятые аудиторией, могут быть записаны и стать частью самого произведения искусства. NFT позволяют художникам напрямую обращаться к глобальной аудитории, минуя галереи или традиционные художественные институты. Эта демократизация хорошо сочетается с этикой многих концептуальных художников, которые часто стремятся бросить вызов традиционным иерархиям и системам в искусстве. NFT предоставляют способ сохранения и аутентификации концептуального искусства, что особенно подходит концептуальному искусству из-за его часто эфемерного характера. 
Благодаря блокчейну происхождение и история концептуальной идеи могут быть надежно записаны.

ЕВ — Твои планы на будущее. Будут ли они так или иначе связаны с Россией. И если нет то почему.

АХ — Я планирую включиться в американский рынок NFT, так как он самый масштабный на данный момент, и самый развитый. США часто рассматриваются как лидер в области технологических инноваций, включая криптовалюты и блокчейн. Как концептуальный художник, я могу воспользоваться этой экосистемой для продвижения своих NFT искусств. Америка также предоставляет уникальную возможность взаимодействия с богатым и разнообразным искусствоведческим и культурным сообществом. В штатах собралось множество критиков, кураторов и исследователей, которые могут проявить живой интерес к концептуальному искусству. Из моего опыта становится ясно, что это может оказаться важным фактором для концептуального художника, так как искусство, которым я занимаюсь, является передовым, а не традиционным.
Что касается России, я очень хочу оставаться активным членом группы Паразит, и буду максимально стараться помогать ребятам быть увиденными и услышанными в тех местах, где буду обитать сама. 

ЕВ — Три выставки которые произвели на тебя самое большое впечатление и почему? Поставь пожалуйста ссылки.  

АХ — По большей части меня больше всего вдохновили те выставки, на которых можно было вживую увидеть и внимательно близко рассмотреть работы мастодонтов искусства. Среди них:

Francis Bacon: Man and Beast

29 January — 17 April 2022
Main Galleries, Burlington House, Royal Academy of Arts

Исследуйте глубокие и трогательные картины Фрэнсиса Бэкона, где грань между человеком и животным постоянно размывается, напоминая нам, что наши первобытные инстинкты лежат всего лишь под поверхностью.
Фрэнсис Бэкон, художник, родившийся в Ирландии, был сыном заводчика лошадей и стал одним из самых важных художников 20-го века.
Открыто признавшись в своей гомосексуальности в то время, когда гомосексуальные отношения были незаконными, он был изгнан из консервативного семейного дома отцом в 16 лет. После этого он бродил по Берлину и Парижу, прежде чем устроиться в Лондоне, период его формирования совпал с некоторыми из наиболее потрясающих событий 20-го века.
Эта мощная выставка сосредотачивается на неизменной фасцинации Бэкона животными: как это формировало его подход к человеческому телу и исказило его; как его фигуры, попавшие в самые крайние моменты существования, едва узнаваемы как человеческие или животные.
Также исследуется, как Бэкон был очарован движениями животных, наблюдая за ними в дикой природе во время поездок в Южную Африку; наполняя свою студию книгами о животных и постоянно обращаясь к фотографиям Эдварда Майбриджа 19-го века, изображающим людей и животных в движении. Будь то шимпанзе, быки, собаки или хищные птицы, Бэкон чувствовал, что он мог бы ближе понять истинную природу человека, наблюдая за неудержимым поведением животных.
Охватывая 50-летнюю карьеру Бэкона, выставка включает в себя некоторые из его самых ранних работ и его последнюю картину, а также три картины с бойней быков, которые будут впервые представлены вместе.
Вместе рассматривая эти сырые выражения тревожности и инстинкта — как животного, так и человеческого — они ощущаются актуальными и глубокими и сегодня.

PHOTO LONDON
Я очень люблю посещать это ежегодное мероприятие в первую очередь за то, что можно вживую увидеть таких авторов как Sebastião Salgado. Выставка представляет лучшие исторические и винтажные работы, а также выделяет новые перспективы в фотографии. Вместе с выбором ведущих мировых фотогалерей и дилеров, раздел Discovery Photo London посвящен наиболее захватывающим галереям и художникам-новичкам. И здорово, например, было в этом году на всех рекламах кофе Lavazzo работы автора, представленного в этом отделении. Помимо самой выставки, Photo London регулярно организует Pre-Fair Talks, затрагивающие искусство, рынок и знание в области фотографии, и выступает как катализатор для динамичного фотографического сообщества Лондона, с участием крупных институтов, аукционных домов, галерей и родившихся творческих сообществ на Вест Энде и в Южном Лондоне, представляя серию Сателлитных Мероприятий.
 
Еще одна ежегодная выставка, где можно посмотреть совсем новые имена и темы в искусстве:

Summer Exhibition 2023

13 June — 20 August 2023
Main Galleries | Burlington House

Это летняя Выставка, проводимая без перерыва с 1769 года, на который представлены работы учеников и выпускников Королевской Академии Искусств. Большинство работ доступны для покупки, и продажи с Летней Выставки поддерживают художников-участников и благотворительную деятельность Королевской Академии, включая подготовку следующего поколения художников в Школах Королевской Академии, которая бесплатна для учащихся. Когда приходишь на эту выставку через пару недель — большая часть экспонатов уже отмечена заветной красной точкой, как проданная работа.
 

ЕВ — Любимая книга или книги по современному искусству.

АХ — 

Seeing Is Forgetting the Name of the Thing One Sees: A Life of Contemporary Artist Robert Irwin написанную Лоренсом Уэшлером.
Это книга о моем любимом художнике. Работы Ирвина оспаривают традиционные представления о том, что такое искусство и чем оно может быть. Он размывает границы между искусством и окружающей средой, часто создавая произведения, которые реагируют на и становятся частью пространства, в котором они выставляются. Лоренс Уэшлер углубляется в интерес Ирвина к эстетике и способу, каким он разработал собственную философию эстетики, которая определяла его художественную практику. Фокус Ирвина на сенсорных аспектах искусства вызывает сомнения в традиционных представлениях об эстетике. 

Ирвин считает, что восприятие — это динамичный и постоянно меняющийся процесс. Его искусство стремится захватить и выразить тонкости восприятия, вызывая зрителей пересмотреть свои собственные способы видеть и воспринимать мир. Для меня бесценна возможность прикоснуться к самому мыслительному процессу Ирвина, потому что он, как никто другой, больше всего созвучен мне.

«Just Kids» — это мемуары, написанные американским музыкантом, автором-исполнителем и поэтом Патти Смит. Книга рассказывает о ее отношения с фотографом Робертом Мапплторпом и их жизнь в Нью-Йорке в конце 1960-х и начале 1970-х годов. В этой книге на мой взгляд лучше всего передана идея преданности искусству. Там есть очень яркая сцена клятвы у памятника,  которая описывает важный момент в жизни Патти и Роберта. В этой сцене, они решают дать клятву у памятника в парке. Это становится символом их преданности и дружбы, а также обещания поддерживать друг друга в их художественных устремлениях. Они молятся перед памятником и клянутся, что будут верны своим искусствам, невзирая на трудности, и всегда будут поддерживать друг друга. Клятва становится важным моментом, который объединяет их и дает им силу и уверенность в том, что они могут добиться успеха в мире искусства, несмотря на все трудности и сомнения. Я очень стараюсь сохранить в себе такую вот юношескую веру в искусство и верность ему.
 
«Quantum Art and Uncertainty» by Paul Thomas
Не могу не поделиться этой книгой, так как сейчас нахожусь в полном обаянии от нее. «Квантовое Искусство и Неопределенность» автора Пола Томаса — это захватывающая книга, которая находится на пересечении искусства, науки и философии, особенно сосредотачиваясь на влиянии квантовой физики на современное искусство. Книга исследует, как концепции квантовой физики, такие как неопределенность, суперпозиция и запутанность, были интерпретированы и представлены в сфере современного искусства. Книга примечательна своим междисциплинарным характером, объединяющим научные концепции с художественным творчеством. Томас включает различные примеры произведений искусства, инсталляций и проектов, которые были вдохновлены или пытаются представить квантовые теории. Эти кейс-стадии служат практической демонстрацией того, как квантовая физика может быть визуализирована и концептуализирована в искусстве. Книга также углубляется в более широкие философские и культурные последствия объединения квантовой физики с искусством, обсуждая, как это слияние может привести к новым пониманиям и перспективам в обеих областях.
 
Art and Agency, an anthropological theory by Alfred Gell
На страницах книги Альфреда Гелла «Искусство и Агентство: Антропологическая Теория» рассматриваются несколько примеров удивительного эффекта искусства. Теория Гелла может быть применена к современному и современному искусству, где удивление часто является намеренной художественной стратегией. Художники могут создавать произведения, которые вызывают сомнение в традиционных представлениях об искусстве, включая неожиданные материалы, концепции или выступления, чтобы вызвать размышления и реакцию. Например, инсталляции и концептуальные произведения искусства часто стремятся удивить и вызвать сомнения у зрителей в их представлениях. Гелл также обсуждает, как повседневные объекты могут быть преобразованы в искусство с помощью эффекта удивления. Он упоминает случаи, когда обыденные объекты представляются в художественном контексте, заставляя зрителей переоценить их значение и видеть их в новом свете.